C e l l a

Développé avec Berta.me

1. Vincent Cardoso

   Spectaculaire, organique, grotesque, mon travail place le spectateur dans des environnements baroques, des espaces étranges et contractés par les échelles. Mes sculptures figurent des corps fragiles, souples ou cassants, en relation avec les espaces qui les accueillent. Avec elles je construis des tableaux épiques, dont une part de la composition apparaît pendant la réalisation, pendant le travail de ré assemblage qui déterminera les relations entre mes corps/créatures. En effet, tout est bricolé -fait avec ce que j’ai- , mon travail de sculpture fonctionne par empreintes, puis par tâtonnements, manipulations, tentatives de stabilisation. Les sculptures se cassent, fondent, se déforment, et l’objet finalement présenté naît d’un acharnement à le faire tenir debout.

   Mes sculptures en mousse sont réalisées à partir d’un modelage en terre. Je sculpte en négatif dans la terre fraîche et y verse ensuite la mousse expansive : la terre soumise à la pesanteur, au durcissement et au rétrécissement contient la mousse vouée à l’expansion. Les formes sont terreuses et sales, marquées par ce qui les a "enfanté" . Difficiles à contrôler, la maîtrise de leur réalisation reste aléatoire. Pour compléter mes figures j'ai souvent besoin de procéder par collage de plusieurs parties, moulées séparément ; mais aussi d'y ajouter des empreintes prises ici et là.

   À la limite de la figuration, il y a une hésitation. J’essaye de rendre un moment où la représentation est encore en ébullition, de l’ordre du fantasme. Une tension perdure entre attirance et dégoût. Ce qui renvoi au charnel, à l’organique, au mouvement lutte avec l’obscénité des fluides figés.

   

   Zama, 2015  détail 

   faience, bois, tiges filettées

   250 x 200 x 170 cm

   

   Zama, 2015

   faience, bois, tiges filettées

   250 x 200 x 170 cm

   

   Bouquet de fleurs, 2017

   Mousse expansive

   200 x 200 x 150 cm

   janvier 

   

   Installation in situ, composée de six sculptures sur piédestal, dans l'escalier Melpomène aux Beaux-Arts de Paris

   (De gauche à droite)

   
   Bouquet de fleurs, mousse expansive, 200 x 200 x 150 cm, janvier 2017

   
   Vésuve en éruption, cire acier et mousse expansive, 350 x 190 x 300 cm, aout-décembre 2018 

   Pompéien, cire, 40 x 195 x 70 cm, aout- novembre 2018
   

   Acrobate, cire acier, fil de fer, 270 x 190 x 50 cm, août-octobre 2018

   

   Odalisque, 2018

   mousse polyuréthane, acier forgé, acier, cire, velour

   220 x 300 x 80 cm

   

   Fauteuil, 2016

   Mousse expansive, tissus

   
   250 x 60 x 50 cm
   
   

   

   Saint-Michel et le dragon, 2016

   Terre, mousse expansive, acier, dimensions variables

   

   Tableau numéro 2,
   Sans titre, 2017
   

   Installation de sculptures éphémères
   mousse expansive, acier, serre-joints

   • 1

     Zama, 2015  détail 

     faience, bois, tiges filettées

     250 x 200 x 170 cm

   • 2

     Zama, 2015

     faience, bois, tiges filettées

     250 x 200 x 170 cm

   • 3

     Bouquet de fleurs, 2017

     Mousse expansive

     200 x 200 x 150 cm

     janvier 

   • 4

     Installation in situ, composée de six sculptures sur piédestal, dans l'escalier Melpomène aux Beaux-Arts de Paris

     (De gauche à droite)

     
     Bouquet de fleurs, mousse expansive, 200 x 200 x 150 cm, janvier 2017

     
     Vésuve en éruption, cire acier et mousse expansive, 350 x 190 x 300 cm, aout-décembre 2018 

     Pompéien, cire, 40 x 195 x 70 cm, aout- novembre 2018
     

     Acrobate, cire acier, fil de fer, 270 x 190 x 50 cm, août-octobre 2018

   • 5

     Odalisque, 2018

     mousse polyuréthane, acier forgé, acier, cire, velour

     220 x 300 x 80 cm

   • 6

     Fauteuil, 2016

     Mousse expansive, tissus

     
     250 x 60 x 50 cm
     
     

   • 7

     Saint-Michel et le dragon, 2016

     Terre, mousse expansive, acier, dimensions variables

   • 8

     Tableau numéro 2,
     Sans titre, 2017
     

     Installation de sculptures éphémères
     mousse expansive, acier, serre-joints

2. Léonore Destres

   Pour des intérêts esthétiques et structuraux, je réinvestis au travers des médiums de la peinture, de la sculpture et de la photographie, des structures ou objets que l’on côtoie plutôt quotidiennement comme une porte, une grille, un motif ornemental ou de signalétique urbaine, une fenêtre ou encore ce qui pourrait être le plan d’un espace architecturé. Bien que ces formes soient revendiquées pour leur historicité aussi bien artistique qu’anecdotique et pour les analogies qu’elles suscitent, il devient surtout question d’espaces et de surfaces au travers des matériaux utilisés. C’est d’ailleurs pourquoi je ne réinvestis pas avec exactitude, ni ne cite particulièrement ces structures dans le but de conserver une valeur générique de l’image de l’objet concerné.
   Comme un mouvement de l’universel au particulier puis de nouveau à une nouvelle forme d’universalité, les combinaisons que j’exerce prennent la forme d’unions complices comme principe d’unité. Des assemblages précisément composés abritent une logique interne, qui a pour seule fonction celle d’un accomplissement plastique.
   S’imposant pacifiquement à l’espace, ces pièces fonctionnent aussi bien en tant que
   système d’objets que par leur valeur autotélique et protéiforme. C’est par ces considérations antagonistes mais compatibles, qu’elles prouvent et partagent à la fois leur généalogie et aussi leur capacité d’exister indépendamment. Ceci leur permettant de se réduire à une forme d’autonomie.
   Dans cette démarche d’association de médiums, formes , objets, couleurs, sources, s’articule un mode opératoire prenant la forme utopique de l’action de tous par tous, et qu’importe la nature de celle-ci : corps, espace, couleur, matière. Tout devient outil. Chaque élément est utilisé sous toutes ses formes, dans toutes ses potentialités formelles, spatiales, expérimentales, théoriques, aléatoires, décoratives, émotionnelles.Vers un ornement qui n’orne pas, s’amorce une quête infinie de relations symbiotiques au travers de chaque pièce réalisée. C’est cette force interne à la structure et ses composants et ce système d’objets dans lequel chaque pièce apparaît qui me permet cette exigence spatiale. Cette évidence spatiale résone en écho au corps. Qu’il soit humain, animal ou matériel, il devient pour moi une manière de le suggérer implicitement ou de façon indirecte. Un corps appelé par différentes caractéristiques comme le poids, l’échelle qui tend vers le monumental ou celle d’un objet que l’on pourrait tenir dans sa main, des anomalies qui deviennent des valeurs ajoutées ou encore des manques, des perturbations. Je développe au fur et à mesure de ce système croissant un language devenu si interne à sa condition d’apparition qu’il s’en dégage une forme d’hermétisme.
   Un hermétisme ou une indépendance qui permet à chaque pièce de s’imposer pacifiquement dans l’espace, et ainsi d’entrer dans un dialogue précis, serein, et dessiné en son seint. Les espaces potentiels de monstrations ou plutôt d’installation sont d’ailleurs une manière d’activer les pièces dont certaines d’entre elles ont pour caractéristique de ne jamais apparaître sous le même dessein. Des pièces qui nous mettent alors à une certaine distance, elles-mêmes ayant pris leur propre distance ou plutôt repoussé la proximité avec la source structurelle, matérielle, architecturale, ornementale, dont elles sont initialement issues. Dans cette lignée comme un tressage, une récurrence de structures, de formes, de matériaux, de couleurs, témoigne de la morphogenèse qui émane de cet ensemble d’objets.

   

   Oedipe roi, 2019 détail

   Carreaux de faïence, bois aggloméré, foin

   76,5 x 108 x 70 cm (largeur variable)

   

   Oedipe roi, 2019

   Carreaux de faïence, bois aggloméré, foin

   76,5 x 108 x 70 cm (largeur variable)

   

   Standing tomb, la nuque, 2018

   Béton, plâtre et isolant

   91,6 x 29,6 x 15,2 cm

   

   Strangers, 2019

   Liant acrylique, peinture à l’huile, toile de coton

   150 x 210 cm

   

   Vue d’installation,
   église Saint Sauveur de Caen, 2019

   

   How to be a pattern, 2018

   Tiroirs en bois et plastique, béton, balles de golf, stickers

   42,5 x 35 x 23 cm

   

   A cross across, 2019
   

   Peinture à l’huile, toile de coton, liant acrylique

   180 x 210 x 4,5 cm

   

   L’île de Pâques, 2019

   Photagraphie argentique, tirage sur papier baryté, contrecollé sur plaque d’aluminium, parapaings de chaînage

   140 x 96 cm,

   

   Seuils, 2019

   Carreaux de faïence, joint, bois aggloméré

   16,5 x 16,5 x 108 cm chaque

   

   • 1

     Oedipe roi, 2019 détail

     Carreaux de faïence, bois aggloméré, foin

     76,5 x 108 x 70 cm (largeur variable)

   • 2

     Oedipe roi, 2019

     Carreaux de faïence, bois aggloméré, foin

     76,5 x 108 x 70 cm (largeur variable)

   • 3

     Standing tomb, la nuque, 2018

     Béton, plâtre et isolant

     91,6 x 29,6 x 15,2 cm

   • 4

     Strangers, 2019

     Liant acrylique, peinture à l’huile, toile de coton

     150 x 210 cm

   • 5

     Vue d’installation,
     église Saint Sauveur de Caen, 2019

   • 6

     How to be a pattern, 2018

     Tiroirs en bois et plastique, béton, balles de golf, stickers

     42,5 x 35 x 23 cm

   • 7

     A cross across, 2019
     

     Peinture à l’huile, toile de coton, liant acrylique

     180 x 210 x 4,5 cm

   • 8

     L’île de Pâques, 2019

     Photagraphie argentique, tirage sur papier baryté, contrecollé sur plaque d’aluminium, parapaings de chaînage

     140 x 96 cm,

   • 9

     Seuils, 2019

     Carreaux de faïence, joint, bois aggloméré

     16,5 x 16,5 x 108 cm chaque

   • 10

3. Savana Elahcène

   Mon espace mental constitue le seuil de mon travail. Dans ce milieu, naissent des formes instinctives que je dessine de manière cyclique. Elles sont issues de ce que je qualifie de « sensation-forme ».
   Premiers liens qui m’unissent au monde, elles prennent racine dans mon enfance et m’habitent. Parfois, il m’arrive d’en construire des maquettes que je laisse vivre, en les oubliant presque. Mon travail peut être appréhendé comme tentative de rendre visible et tangible ces sensations. Sentir le vide par exemple, m’amène à faire l’expérience de l’existence de mon propre corps. Expérimenter, c’est tenter certaines choses et observer ce qui arrive. Dans ma réalité psychique, le vide est oblong : ressenti tel un organe, il est l’un des fondements de mon travail.

   Mais qu’est-ce que le vide ? Si l’on en croit la définition, le vide est un espace inoccupé par la matière. L’existence préalable d’un espace est donc particulièrement liée au concept de vide. En définitive, évoquer le vide c’est peut-être évoquer l’origine du monde. Zadkine disait aussi : « Parler de mes premiers pas dans ce qu’on appelle la vie m’est un travail pénible ... la sensation de vide est même telle que le cœur peut s’étreindre d’angoisse.»

   Chacun des objets qui existent dans l’espace est le résultat de tentatives dont le processus est intrinsèquement lié à la question du geste. Parler du geste c’est parler du corps, car le mot geste provient du latin gestum qui signifie « ce qui est fait » indiquant alors quelque chose qui s’accomplit par une action. Mon corps est mon outil : il me permet d’éprouver les formes et la matière, mais il est aussi le mètre- étalon de mon travail. Les techniques que j’utilise sont physiquement difficiles, parfois longues et minutieuses. Mes mains en sont les premiers témoins lorsque j’évide, j’excave, je couds, je ponce ou je découpe. Comme un retour conscient et inconscient à mes origines, je m’imagine en ouvrière multipliant les mêmes gestes pour tenter de comprendre.

   Après la naissance des formes c’est aux matériaux que je pense le plus. J’aime puiser dans mes souvenirs les matières avec lesquelles j’ai grandi. J’ai vu, senti, touché et entendu le bois, la laine, la terre ou le tissu. La fibre de verre et le métal, sont quant à eux les résidus des heures passées à observer mon père artisan. Parfois, la résurgence de fantasmes enfantins s’exprime dans mes sculptures, notamment quand je tapisse l’intérieur de « Menhir-momie » avec de la laine de mouton.

   

   Voile et Bouclier, 2019

   Fibre de verre, béton, bois, corde - 197x145x70 cm

   Tissu, bois, terre crue, fil à coudre - 166x54x26 cm

   

   Menhir-momie (dans laquelle les visiteurs peuvent entrer), 2019

   Grillage, plâtre, laine de mouton, lest - 300x100x70 cm

   

   Menhir-momie (dans laquelle les visiteurs peuvent entrer), 2019

   Grillage, plâtre, laine de mouton, lest - 300x100x70 cm

   

   Vue d’exposition Dans la grange, Beaux-Arts de Paris, 2018

   

   Cellule, 2018 

   Grillage, laine de verre, fil à coudre / 85x84x64 cm

   

   Vue d’exposition Dans la grange, Beaux-Arts de Paris, 2018

   

   Vue d’exposition Dans la grange, Beaux-Arts de Paris, 2018

   

   Navette, 2018
   

   Chêne (technique de la taille directe) / 167x47x27 cm

   • 1

     Voile et Bouclier, 2019

     Fibre de verre, béton, bois, corde - 197x145x70 cm

     Tissu, bois, terre crue, fil à coudre - 166x54x26 cm

   • 2

     Menhir-momie (dans laquelle les visiteurs peuvent entrer), 2019

     Grillage, plâtre, laine de mouton, lest - 300x100x70 cm

   • 3

     Menhir-momie (dans laquelle les visiteurs peuvent entrer), 2019

     Grillage, plâtre, laine de mouton, lest - 300x100x70 cm

   • 4

     Vue d’exposition Dans la grange, Beaux-Arts de Paris, 2018

   • 5

     Cellule, 2018 

     Grillage, laine de verre, fil à coudre / 85x84x64 cm

   • 6

     Vue d’exposition Dans la grange, Beaux-Arts de Paris, 2018

   • 7

     Vue d’exposition Dans la grange, Beaux-Arts de Paris, 2018

   • 8

     Navette, 2018
     

     Chêne (technique de la taille directe) / 167x47x27 cm

4. Théo Krief

   Oscillant entre peinture et sculpture, mon travail est une suite de constructions mentales, de lieux imaginaires où ne subsistent que des vestiges. Unir le géométrique et l’organique, me permet de me réconcilier avec ma condition d’Homme. Ces deux notions évoquent respectivement la raison, d’une part et les sensations de l’autre ; une dualité à la base de la condition humaine.

   Le carré est l’unité de base sur laquelle se construit le reste de ma pensée. Je cherche à avoir une adaptabilité totale me permettant de moduler mes pièces en fonction de l’architecture qui l’accueille. Aucune œuvre n’a de sens ou de forme définies, c’est l’espace dans lequel elle habite qui lui donne corps.  

   La mosaïque est au cœur des réflexions qui animent mon effort. Penser la mosaïque, c’est saisir la notion d’échelle, faire exister à la fois une partie d’un ensemble et le tout.

   Je cherche à bâtir pour habiter

   La voute céleste appartient aux dieux, la croute terrestre aux mortels, ils modèlent les nuages, nous dessinerons sur le sol.

   Que deviennent les murs ? Ils sont la limite, c’est-à-dire ce à l’intérieur de quoi quelque chose commence à être.

   

   Vue de l'installation "Acmé", 2020.

   

   Partie de l'installation "Acmé". Pavement en marbre "aghia marina" (blanc), marbre "rouge laguna" (rouge), travertin perse (orange) et ardoise (noir).

   

   Partie de l'installation "Acmé". "carrés-ordre 2", 2020, brique et mortier, 1500x600x70cm

   

   Partie de l'installation "Acmé". Feuille de plomb pliée, jetée.

   

   Partie de l'installation "Acmé".

   

   Partie de l'installation "Acmé".

   

   Partie de l'installation "Acmé".

   

   "Delphes-02"

   2020

   Mortier et acrylique sur toile

   150x150

   

   "Delphes-01", 2019, mortier et acrylique sur toile, 150x150

   

   "Delphes-02", 2019, mortier et acrylique sur toile, 150x150

   

   "Delphes-03", 2020, mortier et acrylique sur toile, 150x150

   

   "Delphes-04", 2020, mortier et acrylique sur toile, 150x150

   

   "Delphes-05", 2020, mortier et acrylique sur toile, 150x150

   

   "Delphes-06", 2020, mortier et acrylique sur toile, 150x150

   

   "Delphes-07", 2020, mortier et acrylique sur toile, 150x150

   

   "Delphes-08", 2020, mortier et acrylique sur toile, 150x150

   

   Exposition "S'inscrire à temps" au musée du Louvre en 2019. "L’astre est intime et l’instant perpétuel", 2019, pierre calcaire, plâtre, azurite, or, 30x30x160

   

   Exposition "S'inscrire à temps" au musée du Louvre. «L’astre est intime et l’instant perpétuel», 2019, pierre calcaire, plâtre, azurite, or, 30x30x160

   

   Exposition "tesselles, pixels" au musée du Louvre en 2018. "Lacune solidaire", 2018, marbre et pâtes de verre en opus sectille, 200x125

   

   Exposition "tesselles, pixels" au musée du Louvre en 2018. "Alif", "Ya", "Taa", 2018, acrylique sur toile, 150x150

   • 1

     Vue de l'installation "Acmé", 2020.

   • 2

     Partie de l'installation "Acmé". Pavement en marbre "aghia marina" (blanc), marbre "rouge laguna" (rouge), travertin perse (orange) et ardoise (noir).

   • 3

     Partie de l'installation "Acmé". "carrés-ordre 2", 2020, brique et mortier, 1500x600x70cm

   • 4

     Partie de l'installation "Acmé". Feuille de plomb pliée, jetée.

   • 5

     Partie de l'installation "Acmé".

   • 6

     Partie de l'installation "Acmé".

   • 7

     Partie de l'installation "Acmé".

   • 8

     "Delphes-02"

     2020

     Mortier et acrylique sur toile

     150x150

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     "Delphes-01", 2019, mortier et acrylique sur toile, 150x150

   • 10

     "Delphes-02", 2019, mortier et acrylique sur toile, 150x150

   • 11

     "Delphes-03", 2020, mortier et acrylique sur toile, 150x150

   • 12

     "Delphes-04", 2020, mortier et acrylique sur toile, 150x150

   • 13

     "Delphes-05", 2020, mortier et acrylique sur toile, 150x150

   • 14

     "Delphes-06", 2020, mortier et acrylique sur toile, 150x150

   • 15

     "Delphes-07", 2020, mortier et acrylique sur toile, 150x150

   • 16

     "Delphes-08", 2020, mortier et acrylique sur toile, 150x150

   • 17

     Exposition "S'inscrire à temps" au musée du Louvre en 2019. "L’astre est intime et l’instant perpétuel", 2019, pierre calcaire, plâtre, azurite, or, 30x30x160

   • 18

     Exposition "S'inscrire à temps" au musée du Louvre. «L’astre est intime et l’instant perpétuel», 2019, pierre calcaire, plâtre, azurite, or, 30x30x160

   • 19

     Exposition "tesselles, pixels" au musée du Louvre en 2018. "Lacune solidaire", 2018, marbre et pâtes de verre en opus sectille, 200x125

   • 20

     Exposition "tesselles, pixels" au musée du Louvre en 2018. "Alif", "Ya", "Taa", 2018, acrylique sur toile, 150x150

5. Fanny Magnabal

   La rencontre accumule une aire de potentialité. C’est un espace très réduit, direct mais dont la temporalité peut-elle s’étendre, pour murir. Mes œuvres sont des messagers naissant de la lutte, celle qui serre les points, marche, s’écoute, se cri, et surtout qui s’actionne pour se diffuser. Un interlude du transfert apparait lorsque je sculpte, mon corps est filtre, il infuse dans mes pièces le surplus d’une charge « solaire » c’est à dire en perpétuel mouvance, émanation d’énergie. Leurs installations sous tensions d’une possible chute, casse, disparition ou action amène le visiteur à prendre part au message qui tend à se propager.A leurs tour les sculptures créent un nouveau territoire d’une rencontre potentielle.

   

   Vue de l’installation  I Feel therefore I can be free, 2020

   
   Céramique, sangles, maillons

   

   Vue de l’installation  I Feel therefore I can be free, 2020

   
   Céramique, sangles, maillons

   

   Vue de l’installation  I Feel therefore I can be free, 2020

   
   Céramique, sangles, maillons

   

   Vue de l’installation  I Feel therefore I can be free, 2020

   
   Céramique, sangles, maillons

   

   Vue de l’installation  I Feel therefore I can be free, 2020

   
   Céramique, sangles, maillons

   

   Les colporteurs ne se tiennent pas la main, 2019

   Céramique semis-porcelaine
   

    

   Bâton : 95x1x1cm, tube/source : 56x21cm

   

   Les colporteurs ne se tiennent pas la main, 2019

   Céramique semis-porcelaine
   

    

   Bâton : 95x1x1cm, tube/source : 56x21cm

   

   Les colporteurs ne se tiennent pas la main, 2019

   Céramique semis-porcelaine
   

    

   Bâton : 95x1x1cm, tube/source : 56x21cm

   

   Les colporteurs ne se tiennent pas la main, 2019

   Céramique semis-porcelaine
   

    

   Bâton : 95x1x1cm, tube/source : 56x21cm

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     Vue de l’installation  I Feel therefore I can be free, 2020

     
     Céramique, sangles, maillons

   • 2

     Vue de l’installation  I Feel therefore I can be free, 2020

     
     Céramique, sangles, maillons

   • 3

     Vue de l’installation  I Feel therefore I can be free, 2020

     
     Céramique, sangles, maillons

   • 4

     Vue de l’installation  I Feel therefore I can be free, 2020

     
     Céramique, sangles, maillons

   • 5

     Vue de l’installation  I Feel therefore I can be free, 2020

     
     Céramique, sangles, maillons

   • 6

     Les colporteurs ne se tiennent pas la main, 2019

     Céramique semis-porcelaine
     

      

     Bâton : 95x1x1cm, tube/source : 56x21cm

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     Les colporteurs ne se tiennent pas la main, 2019

     Céramique semis-porcelaine
     

      

     Bâton : 95x1x1cm, tube/source : 56x21cm

   • 8

     Les colporteurs ne se tiennent pas la main, 2019

     Céramique semis-porcelaine
     

      

     Bâton : 95x1x1cm, tube/source : 56x21cm

   • 9

     Les colporteurs ne se tiennent pas la main, 2019

     Céramique semis-porcelaine
     

      

     Bâton : 95x1x1cm, tube/source : 56x21cm

6. Darta Sidere

   Mes recherches artistiques sont orientées vers la tactilité. Avec mon travail de sculpture je cherche comment transmettre cette sensation du toucher. J’utilise la pierre comme la matière de prédilection, qui pour moi est un des matériaux, qui impose le poids et la présence par soi-même. Ce qui m’intéresse est ensuite de changer la perception tout en gardant ses caractéristiques. Aujourd’hui, lorsque les nouvelles technologies se développent rapidement, je trouve important de ressentir la matérialité physique. Cette physicalité, qui se fonde dans le temps et l’espace. En face de ce progrès «sans contact», je cherche à déployer une pratique plutôt tactile au sens du toucher et de sentir la matière. Il s’agit d’un travail d’immersion dans la matière, avec le rapprochement pour aller vers l’informe.

   

   Sans titre ( transitoire), 2019

   Pierre calcaire, acide nitrique, roulettes

   

   Sans titre ( transitoire), 2019

   Pierre calcaire, acide nitrique, roulettes

   

   Svalka (enfouissement en russe, fraîcheur en suédois), 2019

   Pierres stéatites, acier forgé

   

   Svalka (enfouissement en russe, fraîcheur en suédois), 2019

   Pierres stéatites, acier forgé

   

   Submerger dans la berceuse, 11/2018-

   Zinc, acier, bronze,aquariums

   

   Submerger dans la berceuse, détail

   Bronze

   

   Submerger dans la berceuse, détail

   Zinc

   

   Submerger dans la berceuse, détail 

   Acier

   • 1

     Sans titre ( transitoire), 2019

     Pierre calcaire, acide nitrique, roulettes

   • 2

     Sans titre ( transitoire), 2019

     Pierre calcaire, acide nitrique, roulettes

   • 3

     Svalka (enfouissement en russe, fraîcheur en suédois), 2019

     Pierres stéatites, acier forgé

   • 4

     Svalka (enfouissement en russe, fraîcheur en suédois), 2019

     Pierres stéatites, acier forgé

   • 5

     Submerger dans la berceuse, 11/2018-

     Zinc, acier, bronze,aquariums

   • 6

     Submerger dans la berceuse, détail

     Bronze

   • 7

     Submerger dans la berceuse, détail

     Zinc

   • 8

     Submerger dans la berceuse, détail 

     Acier

7. Pier Sparta

   J’ai commencé à travailler, en cherchant tant dans un mode d’expression que dans une thématique un moyen de donner vie à mes idées. En utilisant un langage plastique comme outils et support de ma propre histoire. Un besoin de faire échelle au corps m’ a orienté vers le médium de la sculpture. C’est dans le genre de la sculpture d’expression humaine que j’ai développé mon langage plastique et poursuivi ma quête formelle. La sculpture figurative est un moyen d’évoquer l’humain dans son psychisme et son espace physique liée aux environnements qu’il traverse. Je mêle un processus de vie à un processus artistique en modelant l’homme dans une vie onirique. 

   D’année en année mon travail s’est développé à la manière d’un répertoire de personnages constituant une sorte de famille à la fois recomposée et décomposée. Une forme d’interdépendance s’est instaurée entre les sculptures. Cela a pu donner lieu à des narrations continues et discontinues s’inscrivant dans une idée de temps et de durée et ainsi portant en elles une préoccupation constante pour la vie et la mort.

   L’ ébauche et le travail préparatoire de dessin et de petits assemblages sont devenus les clefs d’un travail plastique commencé instinctivement. Une exploration approfondie des techniques de modelages, de moulage et de taille direct ainsi qu’une grande variété de traitements de matériaux m’ont permis d’illustrer les sentiments liés à ces représentations. 

   Mon travail puise ses sources dans les rapports humains et les formes historiques de l’art. Je me suis attaché à remonter le temps et à revenir aux anciens des motifs de la sculpture comme le masque mortuaire, le mausolée, la tombe. Mon répertoire associe au travers de mes sculptures plusieurs particularités de style empruntées à diverses cultures et époques. Chaque sculpture bien que s’ajoutant à la suite de cette grande famille de personnage, est motivée par une idée qui lui est propre et ainsi explore des thèmes comme l’écoulement, le creux, l’absence, la dualité, l’équilibre, l’incarnation, l’espace domestique, le site, le paysage, ainsi que le contexte et l’instant qui conditionne son existence.

   Je revendique au travers de mon travail une certaine accessibilité. Notamment en considérant le portrait comme réceptacle de ce que le spectateur y apporte. Je cherche à utiliser la figure comme moyen de parler directement au spectateur et succiter chez lui une émotion première.

   

   Medusa, 2020, 95 x 100 x 100 cm, mortier,pigment, acier, eau, peinture et bois, vue de l’exposition «Entre-Temps» au manoir de Bel-Ebat

   à Avon-Fontainebleau.

   

   Fallen Head, 2020

   200x45x45cm (corps), 60x40x40cm (tête)

   bois de chêne et agrafes en acier

   collection particulière

   vue de l’exposition «Capitale des Alentours» Chagny

   

   Gisant de loup, 2017, 160 x 80 x 15 cm, béton, vue de l’exposition «Nous ne sommes pas invité», restaurant universitaire de l’Arsenal, Toulouse.

   

    Women in the wind, 2020, 170x180x80cm, terre crue, branches, acier et contreplaqué, vue de l’exposition «il faudra revenir demain» de l’atelier Tatiana Trouvé

   aux Beaux Arts de Paris

   

   Christ sur chaise, 2016

   82 x 40 x 38 cm

   terre crue , bâche plastique, eau et chaise

   

   Séchoir à poissons, 2019, installation dimensions variables

   bois, encre de chine, acier et corde

   

    Mémé, 2018, 184 x 113 x 130cm, mortier, bois de chêne et d’acacia et contreplaqué, vue de l’exposition «Damocles» atelier J-M Bustamante,

   Beaux arts de Paris

   

   Echio Circle, 2020, 2m de diamètre, 

   installation in-situ

   

   Vue d'atelier Toulouse 2017

   • 1

     Medusa, 2020, 95 x 100 x 100 cm, mortier,pigment, acier, eau, peinture et bois, vue de l’exposition «Entre-Temps» au manoir de Bel-Ebat

     à Avon-Fontainebleau.

   • 2

     Fallen Head, 2020

     200x45x45cm (corps), 60x40x40cm (tête)

     bois de chêne et agrafes en acier

     collection particulière

     vue de l’exposition «Capitale des Alentours» Chagny

   • 3

     Gisant de loup, 2017, 160 x 80 x 15 cm, béton, vue de l’exposition «Nous ne sommes pas invité», restaurant universitaire de l’Arsenal, Toulouse.

   • 4

      Women in the wind, 2020, 170x180x80cm, terre crue, branches, acier et contreplaqué, vue de l’exposition «il faudra revenir demain» de l’atelier Tatiana Trouvé

     aux Beaux Arts de Paris

   • 5

     Christ sur chaise, 2016

     82 x 40 x 38 cm

     terre crue , bâche plastique, eau et chaise

   • 6

     Séchoir à poissons, 2019, installation dimensions variables

     bois, encre de chine, acier et corde

   • 7

      Mémé, 2018, 184 x 113 x 130cm, mortier, bois de chêne et d’acacia et contreplaqué, vue de l’exposition «Damocles» atelier J-M Bustamante,

     Beaux arts de Paris

   • 8

     Echio Circle, 2020, 2m de diamètre, 

     installation in-situ

   • 9

     Vue d'atelier Toulouse 2017

Vincent Cardoso

Léonore Destres

Savana Elahcène

Théo Krief

Fanny Magnabal

Darta Sidere

Pier Sparta